Angela Albanese est professeure associée de Littérature comparée et de littérature théâtrale, d’écriture et de critique à l’Università di Modena e Reggio Emilia. Elle a dirigé, jusqu’en 2022, la série de publications « Canovaccio. Teatro » : textes en édition bilingue espagnol-italien du théâtre italien contemporain. Membre de divers comités scientifiques de revues et de groupes de recherche nationaux et internationaux, ses domaines de recherche comprennent la théorie et l’histoire de la traduction, le théâtre contemporain et les pratiques de réception, de réécriture et d’adaptation des textes littéraires. Ses publications incluent, entre autres, Metamorfosi del Cunto di Basile. Traduzioni, riscritture, adattamenti (2012) ; L’artefice aggiunto. Riflessioni sulla traduzione in Italia (avec F. Nasi, 2015) ; Identità sotto chiave. Lingua e stile nel teatro di Saverio La Ruina (2017) ; Linguaggi, esperienze e tracce sonore sulla scena (avec M. Arpaia, 2020) ; A modo loro. Riscritture, transcodificazioni, dialoghi con i classici (2020) ; Changes. Riscritture, sconfinamenti, talenti plurimi (Mimesis, 2024).

Salvatore Maria Anzalone est Maître de Conférences à l’Université Paris 8 et membre du Laboratoire de Cognitions Artificielles et Humaines, dirigeant le groupe Cognition et Interactions Sociales. Ses intérêts de recherche portent sur la robotique sociale, à partir de l’analyse des dynamiques interpersonnelles jusqu’au développement de comportements socio-cognitifs, dans le but de permettre aux robots d’exprimer des degrés élevés d’intelligence sociale. Il a beaucoup travaillé sur ces sujets dans le contexte spécifique de la robotique sociale d’assistance pour les enfants atteints de troubles du développement neurologique. Il a reçu une bourse de recherche JSPS par la Société Japonaise pour la Promotion de la Science (2011-2012) et une bourse de l’Institut national Japonais des Technologies de l’Information et de Communications (2013). Il a participé à plusieurs projets nationaux et européens comme le FP7 Michelangelo. Il est actuellement coordinateur du projet bilatéral franco-suisse ANR-FNS iReCheck, co-coordinateur du projet national français « Scène et Robotique » et, depuis 2017, fait partie du comité de pilotage du groupe Intelligence Artificielle et Robotique de l’Association Italienne pour l’Intelligence Artificielle. Depuis 2021, il est directeur de la rédaction de l’International Journal of Social Robotics de Springer.

Matteo Casari est professeur associé au Département des arts de l’Università di Bologna, où il enseigne les Théâtres en Asie, les Cultures asiatiques du spectacle et l’organisation et l’économie des arts du spectacle. Il s’intéresse principalement aux traditions théâtrales asiatiques, en particulier celles du Japon, où il a mené des recherches sur le terrain, et s’est également penché sur les traditions folkloriques italiennes. Il est l’auteur de diverses publications, notamment de monographies, de directions d’ouvrage et d’essais, dont les plus récents sont les suivants : Mishima Mishima Yukio e l’atto performativo. Drammaturgie di un artista (2023, avec Giovanni Azzaroni et Katja Centonze) ; Un mito che danza, un teatro che si fa storia: il nō (2022) ; Matsuyama nō. Un nō differente (2021) ; Il nō dei robot: l’artificio e l’empatia (2021). Il est directeur scientifique de la revue « Antropologia e Teatro » et directeur adjoint et chef de projet de la chaire Mokichi Okada sur la beauté. Il coordonne le groupe de recherche interdisciplinaire Performing robots (Università di Bologna) et est membre du conseil scientifique du Master en entrepreneuriat dans les arts du spectacle (Università di Bologna).

Joseph Delaplace est Professeur à l’Université Rennes 2 (unité de recherches EA 3208 « Arts : pratiques et poétiques »). Il a dirigé L’UFR « Arts, Lettres, Communication » (2017-2022) et le département de musicologie (2014-2017 et 2023-2026). Titulaire de l’agrégation, du CAPES et de plusieurs prix de conservatoire, il enseigne l’analyse et l’esthétique de la musique des XXe et XXIe siècles. Il est l’auteur d’un ouvrage (György Ligeti. Un essai d’analyse et d’esthétique musicales, PUR, 2007) ainsi que de nombreux articles et chapitres sur les œuvres de Ligeti, Berio, Cendo, Harvey, Ferneyhough, Feldman, De Vienne, Varèse, Schönberg, Berg, Debussy, Mahler, Stravinski. Il a dirigé 7 ouvrages collectifs, dont L’art de répéter. Psychanalyse et création (PUR, 2014), L’écriture musicale de Bernard de Vienne (L’Harmattan, 2012), Le corps dans l’écriture musicale (avec Jean-Paul Olive, Artois Presse Université, 2019).

Pianiste au Conservatoire National d’Athènes, Eftychia Droutsa commence ses études universitaires en France à l’Université de Strasbourg – Marc Bloch en musicologie. Elle obtient le Master 1 intitulé Une musique d’origine divine : la musique de Thrace occidentale et son évolution. Elle poursuit ses études à l’université de Paris–Sorbonne en ethnomusicologie au Centre de recherches Patrimoines et Langages musicaux sous la direction du professeur François Picard. Elle entame son travail sur le répertoire vocal de la minorité musulmane Pomak (nord-est de la Grèce, Thrace occidentale) intitulé Le chant pomak : mémoire et perception musicale. Elle obtient son doctorat sur l’étude du rituel mevlud pratiqué par les femmes de la même communauté intitulé Musiques mineures. Le rituel de mevlud chez les femmes pomaks de Thrace occidentale. Elle est chargée de cours à Paris 8, médiatrice culturelle à la Philharmonie. Elle est membre de la Société française d’ethnomusicologie (SFE) et membre fondateur de l’association ethnomusiKa.

Giordano Ferrari est membre du Laboratoire MUSIDANSE (EA 1572) et professeur à l’Université de Paris 8. Il a été responsable et coordinateur du projet de recherche « Dramaturgie Musicale Contemporaine en Europe » (projet ANR 2005-2008), du projet « Le théâtre musicale de Luciano Berio » (2010-13) et du projet « Vers le présent de la dramaturgie musicale à travers l’idée d’espace ‘sensible’ » (Labex Arts H2H, 2014-16). Outre à des articles sur la musique et le théâtre musical du XXe siècle, il est l’auteur des livres Armando Gentilucci (Ricordi/LIM, 1998), Les débuts du théâtre musical d’avant-garde en Italie (L’Harmattan, 2000), et il a dirigé ou co-dirigé nombreuses ouvrage collectives, notamment L’Opéra éclaté (2006), La musique et son expression scénique (2007), La parole sur scène (2008) et Pour scène actuelle (2009), A’ Bruno Maderna (2007 et 2009), Le théâtre musical de Luciano Berio (2016), L’espace sensible de la dramaturgie musicale (2018).

Diplômé d’Oxford (BA Hons Oxon), agrégé d’anglais, Adrian Grafe est professeur à l’université d’Artois. Poéticien de formation, il est l’auteur de plusieurs ouvrages consacrés à la poésie et aux liens entre la poésie, la littérature, et la musique populaire. Egalement chanteur, musicien et auteur-compositeur, il a écrit et interprété les douze chansons du CD Forgiving World réalisé en collaboration avec Mylène Douriez. Adrian a interprété ses compositions lors de colloques internationaux, notamment au colloque DCLP à l’université d’Angers en 2018, et au congrès de la SAES à Rennes II en 2023. ‘I Remember Arras’, une séquence de quatre sonnets, est paru dans The Spectator en 2021, et son roman The Ravens of Vienna est sorti récemment (Histria, 2022).

Maître de conférences à l’Université d’Angers et docteur ès lettres de l’Université de la Sorbonne, Marc Jeannin est passionné par la voix et spécialiste des relations langues / musique. Ses travaux interdisciplinaires portent notamment sur l’expression vocale en rapport avec les émotions et les perceptions sensorielles. Auteur d’articles scientifiques et d’articles de presse, il a aussi publié plusieurs ouvrages dont Anthony Burgess: Music in Literature and Literature in Music (Cambridge Scholars Publishing, 2009), Anthony Burgess and France (Cambridge Scholars Publishing, 2017), Anthony Burgess et la France (Presses Universitaires de Rennes, 2019), Accent phonétique et accent musical dans la musique vocale en anglais (Editions Universitaires Européennes, 2019), et Guide phonétique et phonologique de l’anglais (Ellipses, 2024). Marc Jeannin est également auteur-compositeur membre de la SACEM.

Doriana Legge est chercheuse spécialiste des Disciplines des arts du spectacle à l’Università degli Studi dell’Aquila et coordinatrice des Activités culturelles de cette université. En 2018, elle a participé à la création de « Aria – Festival di Teatro », dont elle est la directrice artistique. Ses domaines de recherche concernent le théâtre italien du début du XXe siècle (Un Novecento scomodo. Il teatro di Emma Gramatica, Tatiana Pavlova e Anna Fougez, Bulzoni, Roma 2022; Inseguendo I Carabinieri. Beniamino Joppolo, ovvero la pratica della singolarità, Bulzoni, Roma 2020), et des études sur les orientations, les fonctions et les perceptions du registre sonore dans le théâtre. Elle est membre du comité de rédaction du magazine d’étude « Teatro e Storia ».

Cristiana Natali est professeure associée au Département de l’histoire des cultures et des civilisations à l’Università di Bologna. Elle enseigne Anthropologie de l’Asie du Sud, Anthropologie de la danse et Méthodologies de recherche ethnographique. Elle a mené des recherches dans les territoires des LTTE (Liberation Tigers of Tamil Eelam) au Sri Lanka entre 2002 et 2006 et elle travaille avec les Tamouls de la diaspora, en particulier ceux résidants en Italie, depuis l’année 2000. Parmi ces ouvrages : Sabbia sugli dèi. Pratiche commemorative tra le Tigri tamil(Sri Lanka), CLUEB, 2020 et Percorsi di antropologia della danza, Cortina, 2009. À l’Università di Bologna, elle est aussi responsable, en collaboration avec Roberta Bonetti, du site REAL lab et en plus membre du groupe de recherche interdisciplinaire Performing robots.

Professeure émérite (Sorbonne Université) et membre de l’IReMus (Institut de Recherche en Musicologie), responsable des publications de l’Observatoire musical français (OMF, 1991-2015) et de la collection « Musique-Musicologie » des éditions Honoré Champion (depuis 1976). Spécialiste des œuvres musicales françaises (xixe et xxe siècles) dans leurs rapports aux contextes, notamment historiques, littéraires ou esthétiques, elle a consacré divers travaux à ces questions : 25 ans de créations opératiques en France (1990-2015), OMF, 2015 ; Notes sur la vie musicale des années 1990 d’après six magazines français indexés, ibid., 2015 ; Le Paris d’été. Musique et société à Trouville-sur-mer de 1830 à 1914, L’Harmattan, 2019 ; Prospectives musicologiques, ibid., 2019 ; Nuit et musique (à paraître, ibid.).

Docteur en Musique, diplômé de l’Université Rennes 2, et docteur ès Sciences humaines, diplômé de l’Université de Modène et Reggio d’Émilie, David Pouliquen s’intéresse aux rapports de la musique avec les langues, le théâtre et la voix. Spécialiste de Shakespeare à l’opéra, ses travaux ont trait à la dramaturgie musicale et comparée. Sa démarche méthodologique repose sur la mise en lien de la recherche académique et des pratiques artistiques (chant, jeu d’acteur, mise en scène). Cette originalité tient à sa formation d’artiste lyrique. David Pouliquen est l’élève de Richard Cowan et de Michèle Command.

Gino Sitson (aka Pierre-Eugène Sitchet) est vocaliste, compositeur et chercheur en musicologie. Professeur invité à l’Université d’État d’Haïti et chercheur associé à l’IReMus (Université Paris-Sorbonne, CNRS) et au LADIREP, il dirige le Polyvocal Research Laboratory à New York. Ses recherches portent sur la cognition musicale, l’expressivité vocale et la transmission des musiques de la diaspora noire, avec un intérêt particulier pour le Gwoka. Docteur en musicologie de l’Université Paris-Sorbonne, il a enseigné à Columbia University, Florida Memorial University, Long Island University et d’autres institutions. Il est l’auteur de Santiman et lokans dans le Gwoka (Delatour, 2021) et de la première bibliographie commentée de la musique en Guadeloupe : De la musique des natifs caraïbéens à la naissance du Gwoka (Neg Mawon, 2023).

Cinzia Toscano est titulaire d’un doctorat en Arts visuels, arts du spectacle et arts médiatiques. Elle s’intéresse principalement au théâtre contemporain et plus particulièrement à l’imbrication des arts du spectacle et de la technologie. Depuis 2014, elle fait partie du comité éditorial de la revue « Antropologia e teatro » et, depuis sa création, du réseau « Arti digitali dal vivo ». Elle combine son activité de recherche avec l’organisation d’événements culturels et d’initiatives d’édition.

Journaliste indépendant, Fabio Ceppelli a démarré sa carrière au journal local Gazzetta di Modena. Il a écrit pour de nombreux médias locaux et nationaux. Depuis plus de 30 ans, il est actif dans le domaine de l’organisation d’événements et de la promotion culturelle et territoriale. D’abord attaché de presse et collaborateur des administrations publiques, puis coordinateur d’associations pour la promotion du centre historique de Modena, il a collaboré avec des agences de promotion au niveau national. Aujourd’hui, il est responsable de la promotion, et de la formation du public, du Teatro Pavarotti-Freni di Modena. Depuis plus de 15 ans, il collabore également avec Raina Kabaivanska à la coordination des activités de la célèbre soprano et est l’auteur du livre Raina Diva – ritratto di un’anima.

David Christoffel est poète et compositeur, homme de radio et docteur en musicologie de l’EHESS. Auteur d’opéras parlés (récemment Consensus partium, donné en ouverture du festival bruxellois Next opera days en 2023), il a publié plus de 150 études entre poésie, musicologie et esthétique radiophonique. Ancien chroniqueur pour France Musique, il produit des magazines et des émissions de créations pour France Culture et Espace 2 (RTS) et le programme Metaclassique diffusé sur une centaine de radios associatives. Il est également l’auteur d’Ouvrez la tête (ma thèse sur Satie) (aux éditions MF, 2017) et de deux essais La musique vous veut du bien (PUF, 2018) et Les petits malins de la grande musique (PUF, 2023). Ses travaux sont recensés sur le site www.dcdb.fr

Gilles Demonet est Professeur à l’UFR de musique et musicologie de Sorbonne Université où il dirige le Master Administration et gestion de la musique. De 2020 à 2023 il a dirigé l’IReMus (Institut de recherche en musicologie). Ses recherches portent en particulier sur les institutions musicales contemporaines. Il a publié Les Concerts Straram (1926-1933) (Paris, Société française de musicologie, 2021), Les marchés de la musique vivante (Paris, PUPS, 2015) et, avec Jean-Pierre Saez, Opéra à l’écran : opéra pour tous ! Nouvelles offres et nouvelles pratiques culturelles (Paris, L’Harmattan, 2013). Il enseigne fréquemment à l’étranger, notamment en Chine et en Italie. Précédemment, il a été directeur administratif et financier de l’Opéra-Comique et directeur du bureau français d’IMG Artists.

Après 25 ans d’une carrière de basse soliste, essentiellement tournée vers les grands emplois du XVIIIème, XIXème et XXème siècles sur les grandes scènes européennes, Christophe Fel s’est consacré à l’enseignement de la technique vocale belcantiste, qu’il avait lui-même hérité d’une des dernière descendante de l’une des plus fameuses familles de chanteurs-pédagogues du XIXème siècle, les « Garcia-Malibran-Viardot ». Christophe Fel est directeur artistique du concours international de chant Georges Liccioni.

Denis Huneau est Maître de conférences et responsable de la filière Musicologie à l’Université Catholique de l’Ouest. Ses travaux, dont le premier ouvrage d’envergure sur André Caplet, grand ami et collaborateur de Debussy, portent sur la musique et les institutions musicales en France du XIXe siècle jusqu’à la 2de Guerre mondiale, ainsi que sur l’enseignement de l’écriture. Il se penche régulièrement sur la vie musicale à Angers, dont celle de son opéra.

Maître de conférences à l’Université d’Angers et docteur ès lettres de l’Université de la Sorbonne, Marc Jeannin est passionné par la voix et spécialiste des relations langues / musique. Ses travaux interdisciplinaires portent notamment sur l’expression vocale en rapport avec les émotions et les perceptions sensorielles. Auteur d’articles scientifiques et d’articles de presse, il a aussi publié plusieurs ouvrages dont Anthony Burgess: Music in Literature and Literature in Music (Cambridge Scholars Publishing, 2009), Anthony Burgess and France (Cambridge Scholars Publishing, 2017), Anthony Burgess et la France (Presses Universitaires de Rennes, 2019), Accent phonétique et accent musical dans la musique vocale en anglais (Editions Universitaires Européennes, 2019), et Guide phonétique et phonologique de l’anglais (Ellipses, 2024). Marc Jeannin est également auteur-compositeur membre de la SACEM.

Soprano lyrique, diplômée de l’université Kyunghee de Séoul puis de la Hochschule für Musik de Dresde comme soliste d’opéra, Mi-kyung KIM fait ses débuts au Semperoper avec Sir Colin Davis. Elle chante à Dresde où elle enchaîne de nombreux récitals. Puis se produit en France dans diverses cathédrales (Chartres, Senlis) et églises (Saint Germain des Prés, Val de Grâce), participe à des festivals (avec Laurent Petitgirard, Frédéric Lodéon), à des opéras (La Bohème, Gianni Schicchi de Puccini), réalise des prestations privées à l’Opéra Garnier de Paris, à Venise, dans des châteaux et divers palaces. Outre l’Europe, elle se produit ponctuellement en Corée du Sud et aux Etats-Unis. Très classique à ses débuts, centrée sur l’opéra, le belcanto, l’oratorio, le Lied allemand ou la mélodie, elle a élargi progressivement son horizon et se produit dans un répertoire varié incluant gospel, comédie musicale, standards du jazz.

Diplômée en sciences naturelles de l’Université de Bologne, Nicoletta Mantovani a été directrice artistique du concert de charité « Pavarotti & Friends » de 1995 à 2003. En tant qu’entrepreneuse dans le domaine du théâtre et du cinéma, elle a produit dans les années 2000 la version italienne de la comédie musicale « Rent » de Broadway, un court métrage et un film d’art, qui a été primé au festival du film de Rome. Nicoletta Mantovani a également produit d’importants festivals de musique italiens, accueillant certains des plus célèbres artistes internationaux. Elle a encadré les célébrités internationales participant aux cérémonies d’ouverture et de clôture des Jeux olympiques d’hiver de 2006 à Turin et, depuis 2008, a organisé d’importants événements dans le monde entier dédiés à la mémoire du Maestro Pavarotti. Nicoletta Mantovani a été conseillère pour la promotion culturelle et les politiques de la jeunesse pour la ville de Bologne, et adjointe au maire et conseillère pour les relations internationales pour la ville de Florence. Nicoletta Mantovani est présidente de la Fondation Luciano Pavarotti.

Professeure émérite (Sorbonne Université) et membre de l’IReMus (Institut de Recherche en Musicologie), responsable des publications de l’Observatoire musical français (OMF, 1991-2015) et de la collection « Musique-Musicologie » des éditions Honoré Champion (depuis 1976). Spécialiste des œuvres musicales françaises (xixe et xxe siècles) dans leurs rapports aux contextes, notamment historiques, littéraires ou esthétiques, elle a consacré divers travaux à ces questions : 25 ans de créations opératiques en France (1990-2015), OMF, 2015 ; Notes sur la vie musicale des années 1990 d’après six magazines français indexés, ibid., 2015 ; Le Paris d’été. Musique et société à Trouville-sur-mer de 1830 à 1914, L’Harmattan, 2019 ; Prospectives musicologiques, ibid., 2019 ; Nuit et musique (à paraître, ibid.).

Docteur en Musique, diplômé de l’Université Rennes 2, et docteur ès Sciences humaines, diplômé de l’Université de Modène et Reggio d’Émilie, David Pouliquen s’intéresse aux rapports de la musique avec les langues, le théâtre et la voix. Spécialiste de Shakespeare à l’opéra, ses travaux ont trait à la dramaturgie musicale et comparée. Sa démarche méthodologique repose sur la mise en lien de la recherche académique et des pratiques artistiques (chant, jeu d’acteur, mise en scène). Cette originalité tient à sa formation d’artiste lyrique. David Pouliquen est l’élève de Richard Cowan et de Michèle Command.

Membre de l’académie d’Angers depuis 1981, Philippe Rocquet est actuellement président de la Fédération des Sociétés Savantes de Maine-et-Loire. Après avoir été Représentant de la Marine Nationale en Maine-et-Loire (Autorité Militaire Marine) de 1984 à 2000, Philippe Rocquet est maintenant également Représentant de l’ACORAM en Maine-et-Loire, avec grade de Capitaine de Vaisseau. Président de la Fédération des Associations Lyriques de l’Ouest de 1993 à 2010 et, en particulier, président des Amis de l’Art Lyrique d’Angers de 1976 à 2012, il a exercé dans cette ville en tant que chirurgien-dentiste de 1970 à 2015.

Secrétaire général du Fonds de dotation Maria Callas et cadre dirigeant dans l’assurance, Catherine Aftalion vit sa passion musicale depuis son jeune âge et est pianiste de formation ayant plusieurs concours à son actif au niveau supérieur. Il lui tient à cœur de transmettre aux plus jeunes la musique, de mettre en œuvre des concerts dans les régions, et de faire des conférences musicales, particulièrement celles abordant l’Art de Maria Callas qu’elle a présentées, en autres, sur la scène de l’Opéra de Reims. Catherine Aftalion est également compositrice, membre de la SACEM, et réalisatrice de scénarios, membre de la SACD.

Diplômée du Conservatoire de Bordeaux en 2006, Louise Brun découvre l’Opéra au sein de la maîtrise. Après un passage en Hypokhâgne puis Khâgne, elle s’oriente vers les Métiers des arts de la scène. En 2017, après cinq ans d’expérience en tant que régisseur lyrique, elle commence sa collaboration avec la metteure en scène Emmanuelle Bastet. Elle assiste également David Hermann, Émilie Capliez, Amélie Niermeyer, Yoshi Oïda, Timothy Sheader, ou encore Kirill Serebrennikov à l’Opéra national de Paris. En mars 2022, Louise Brun signe une première mise en scène de La Voix humaine à l’Auditorium Cariplo de Milan. Elle intègre la première promotion de l’Académie de l’Opéra national de Bordeaux, et présente une nouvelle production de Didon et Enée au Grand Théâtre de Bordeaux en février 2023. Sa création Oh La La La !, donnée en octobre 2023 dans le cadre du festival La Semaine bleue, sera reprise en version tout public en juin 2024 à l’Opéra de Dijon.

Filippo Bruschi est écrivain de théâtre et poète. Né en Italie, il commence à travailler en France en 2005. Il a écrit et publié, en italien, les pièces Théâtreïde (2013) et Luxuriàas : Lost in lust (Prix Fersen pour la dramaturgie, 2015), en collaboration avec Caroline Pagani. Filippo Bruschi a publié les recueils de poème Plaquette (2014) et Maniere (2019). Il en 2018, il a écrit (en français) et met en scène Callas machine. En 2021, le texte est publié en italien avec le titre Kallasmachine aux éditions Kolibris. Docteur en Études Théâtrales à l’Université Paris 3 Sorbonne-Nouvelle, Filippo Bruschi a enseigné les Arts du spectacle à l’IUAV de Venise et à l’Académie des Beaux arts de Venise, ainsi qu’ universités Paul Valery de Montpellier (2015-16), Lille 3 et de Strasbourg. Il a publié l’essai Personnage collectif, personnage individuel au théâtre: tableaux d’un parcours dialectique (1830-1930) aux éditions Honoré Champion.

João Pedro Cachopo enseigne à l’Universidade Nova de Lisboa, où il est chercheur au Centro de Estudos de Sociologia e Estética da Música. Ses domaines de recherche se situent à la croisée de la philosophie, de la musicologie et des études sur les médias et la performance. Il est l’auteur de Callas e os Seus Duplos: Metamorfoses da Aura na Era Digital (Documenta, 2023), A Torção dos Sentidos: Pandemia e Remediação Digital (Documenta, 2020), traduit en anglais sous le titre The Digital Pandemic: Imagination in Times of Isolation (Bloomsbury, 2022), et de Verdade e Enigma: Ensaio sobre o pensamento estético de Adorno (Vendaval, 2013), ouvrage pour lequel il a remporté le prix du premier ouvrage du PEN Club portugais en 2014. Il a également coédité, avec Chris Stover et Patrick Nickleson, Rancière and Music (Edinburgh University Press, 2020), parmi d’autres livres. João Pedro Cachopo a traduit en portugais des œuvres de Georges Didi-Huberman, Jacques Rancière et Theodor W. Adorno.

Docteur en Biologie, Benoît de Chassey est cofondateur de la société pharmaceutique ENYO Pharma. Il développe en parallèle une double expérience théâtrale : en tant que comédien sous la direction de Claire Rengade, Grégoire Blanchon ou Fany Buy et en tant qu’auteur dans une adaptation d’Olga ma Vache de Roland Dubillard et avec l’écriture des spectacles Léo Conférence et Je ne suis pas Maria Callas. Il propose des spectacles modulables pour un théâtre intime au format d’appartement mais aussi pour des grandes scènes.

David Christoffel est poète et compositeur, homme de radio et docteur en musicologie de l’EHESS. Auteur d’opéras parlés (récemment Consensus partium, donné en ouverture du festival bruxellois Next opera days en 2023), il a publié plus de 150 études entre poésie, musicologie et esthétique radiophonique. Ancien chroniqueur pour France Musique, il produit des magazines et des émissions de créations pour France Culture et Espace 2 (RTS) et le programme Metaclassique diffusé sur une centaine de radios associatives. Il est également l’auteur d’Ouvrez la tête (ma thèse sur Satie) (aux éditions MF, 2017) et de deux essais La musique vous veut du bien (PUF, 2018) et Les petits malins de la grande musique (PUF, 2023). Ses travaux sont recensés sur le site www.dcdb.fr

Actrice et écrivaine sicilienne, Maria Teresa Coraci est diplômée en philosophie à l’Université La Sapienza de Rome et en sciences pédagogiques à l’Université Roma Tre, elle s’intéresse à l’écriture des femmes migrantes et post-coloniales, à l’art féminin et à la détresse mentale, aux philosophies et dramaturgies féministes contemporaines. En 2012, elle a suivi le Master Genre, Pensée des Différences, Rapports de Sexe (Université Paris 8). Elle est l’auteure de Non finito (auto-édité, Edizioni della Mano d’oro, Rome 2016), inspiré par la vie de Camille Claudel. Avec le monologue théâtral Por Marielle Franco, elle a remporté le Premio Serra en tant qu’auteure (Naples, 2022). Trois de ses monologues ont été inclus dans la pièce Di me la notte sembra sapere (Festival delle Orestiadi di Gibellina, 2023).

Docteure en musicologie (Université de Poitiers & Université de Tunis), chercheuse associée au Criham (Centre de Recherches Interdisciplinaires en Histoire, Histoire de l’Art et Musicologie), Farah Dhib est spécialiste de l’opéra arabe, auteure d’une thèse de doctorat intitulée Modèles et transferts des paradigmes occidentaux dans l’opéra arabe entre 1956 et 2016. Son parcours académique inclut des formations dans la musique arabe et dans le chant lyrique avec des chanteurs lyriques de renommée comme Hristina Hadjieva, Alexandra Papadjiakou, Henry Runey, Micaela Etcheverry et Dany Barraud. Farah Dhib est titulaire d’un master Télévision et Webmédia et communication (réseau GES) et en recherche en musicologie (Université Paris Sorbonne), et ses recherches abordent divers sujets : les institutions lyriques, l’interprétation vocale, l’engagement politique et idéologique dans les opérettes de Sayed Darwich, les transferts culturels dans la musique, la musique populaire tunisienne et l’analyse vocale par l’intelligence artificielle.

Diplômée de Sciences Po Paris et de La Sorbonne en lettres modernes. Passionnée de musique et de théâtre, Marguerite Frison-Roche effectue son stage de fin d’étude à l’Opéra de Paris. Elle poursuit ses études en gestion des affaires culturelles à l’Accademia de la Scala. Cette formation lui permet de travailler au sein de la direction artistique de la Scala ainsi que la fondation Bru Zane à Venise. Au cours de son parcours universitaire, elle effectue de nombreux échanges avec des universités d’Europe pour étudier les politiques culturelles et les langues, notamment à Stockholm, Séville, Vienne et Rome. Après différentes missions de conseils en affaires publiques à son retour en France, Marguerite Frison-Roche rejoint la structure philanthropique Le fonds du Bien commun, qui investit notamment dans la culture et dans l’éducation.

Eulalie Giraud est actuellement collaboratrice parlementaire à l’Assemblée nationale. Passionnée d’histoire, elle est la présidente fondatrice d’Europa Chroniques, une association qui promeut les patrimoines culturels européens à travers la production de podcasts. Diplômée d’une licence d’Histoire et d’un double master à Sciences Po Strasbourg, elle mène également des recherches sur l’histoire de la construction européenne et sur la personnalité de Louise Weiss.

Pierre Girod est docteur en musicologie, rattaché à l’EA 1279 et associé au réseau Francophone Music Criticism. Qualifié aux fonctions de maître de conférences en 18e et 22e sections, il a été chargé de cours à l’Université de Rouen-Normandie, à l’Université Paul-Valéry (Montpellier) puis à l’Université Jean-Jaurès (Toulouse). Ses contributions à deux des trois tomes de l’Histoire de l’opéra en France (Fayard) ainsi qu’à plusieurs numéros de L’Avant-Scène Opéra témoignent d’une expertise dans le chant lyrique comme pratique sociale, artistique et pédagogique. Il enseigne d’ailleurs cette discipline en conservatoire après s’être produit professionnellement au sein de divers ensembles vocaux spécialisés durant une quinzaine d’années.

Maître de conférences à l’Université d’Angers et docteur ès lettres de l’Université de la Sorbonne, Marc Jeannin est passionné par la voix et spécialiste des relations langues / musique. Ses travaux interdisciplinaires portent notamment sur l’expression vocale en rapport avec les émotions et les perceptions sensorielles. Auteur d’articles scientifiques et d’articles de presse, il a aussi publié plusieurs ouvrages dont Anthony Burgess: Music in Literature and Literature in Music (Cambridge Scholars Publishing, 2009), Anthony Burgess and France (Cambridge Scholars Publishing, 2017), Anthony Burgess et la France (Presses Universitaires de Rennes, 2019), Accent phonétique et accent musical dans la musique vocale en anglais (Editions Universitaires Européennes, 2019), et Guide phonétique et phonologique de l’anglais (Ellipses, 2024). Marc Jeannin est également auteur-compositeur membre de la SACEM.

Arnaud Kientz débute ses études à l’âge de 16 ans et les termine auprès de Janine Reiss. Divers rôles d’opéra et des concerts l’amènent à se produire en France et à l’étranger. Il enregistre pour Musigram des Ave Maria, la Marseillaise (plus de 4 millions d’écoutes) et God save the King, étant ainsi invité par les médias français et anglais en septembre 2022 lors des funérailles de la Reine Elizabeth d’Angleterre car c’en était encore la seule version commerciale disponible. Parallèlement, il participe à l’organisation de masterclasses (Ruggero Raimondi à Marseille), de festivals (Festival de piano de Solliès Pont, Les Coups de coeur à Chantilly) et se dédie à l’enseignement du chant qu’il pratique avec passion depuis une vingtaine d’années.

Spécialiste de l’analyse et de l’esthétique de l’interprétation vocale, Lisa La Pietra est doctorante à l’Université Paris 8 en co-enquadrement scientifique à l’IRCAM-Centre Pompidou, dans l’équipe Analyse et synthèse du son sous la direction de Nicolas Obin. Elle travaille régulièrement comme consultant pour diverses institutions nationales et internationales. Elle a à son actif plusieurs publications scientifiques, dont celle de la rubrique Grandi Voci du magazine officiel du Théâtre à la Scala: La Scala magazine.

Diana Elizabeth Martinovich est une écrivaine d’origine croate, chanteuse d’opéra mezzo-soprano, coach d’affaires et de carrière, et entrepreneuse. Elle a écrit plusieurs ouvrages de non-fiction traitant de sujets tels que la fixation d’objectifs, le leadership et les stratégies commerciales à l’ère numérique, ainsi que le livre The Art of Bel canto : where science and spirit meet (« L’art du bel canto : la rencontre de la science et de l’esprit »), coécrit avec son mari, Boris Martinovich. En tant qu’entrepreneuse, Diana Elizabeth Martinovich a fondé et gère avec succès de nombreuses entreprises. Chanteuse d’opéra et productrice, elle s’est produite dans le monde entier et, en tant que productrice, elle a monté plusieurs projets pour de jeunes chanteurs de musique classique et d’opéra. Diana Elizabeth met sa passion pour la connaissance, la créativité et les arts au service de toutes ses entreprises.

Pietro Milli est docteur en Musicologie et chercheur associé au laboratoire GRHis (Université de Rouen Normandie). Il est l’auteur d’articles sur les musiques des XXe XXIe siècles, de notes de programme pour l’Opéra de Paris, ainsi que de traductions littéraires (Léon-Paul Fargue, Nicola Abbagnano, …). Il collabore également avec Laurent Feneyrou dans le cadre de Triestiana, maison d’édition qui édite et publie des recueils bilingues de poésie triestine.

Productrice d’émissions de radio sur France Musique, une station du groupe Radio France, depuis 2016. Pianiste de formation, Aurélie Moreau a suivi les cours du Conservatoire et de l’Université de Genève. Elle collabore également aux revues musicales « Classica » et « Pianiste », tout en intervenant dans l’émission « La Tribune des critiques de disques ». En 2019, elle a été désignée pour occuper une partie de la tranche quotidienne de Frédéric Lodéon sur France Musique, d’abord avec une émission malicieusement baptisée « Le van Beethoven », pour célébrer les 250 ans de la naissance du compositeur. Ensuite, l’émission a été renommée « Stars du classique ». Au cours de l’année 2023, Aurélie Moreau consacre une émission par mois à Maria Callas pour le centenaire de la naissance de « La Divina ».

Professeure émérite (Sorbonne Université) et membre de l’IReMus (Institut de Recherche en Musicologie), responsable des publications de l’Observatoire musical français (OMF, 1991-2015) et de la collection « Musique-Musicologie » des éditions Honoré Champion (depuis 1976). Spécialiste des œuvres musicales françaises (xixe et xxe siècles) dans leurs rapports aux contextes, notamment historiques, littéraires ou esthétiques, elle a consacré divers travaux à ces questions : 25 ans de créations opératiques en France (1990-2015), OMF, 2015 ; Notes sur la vie musicale des années 1990 d’après six magazines français indexés, ibid., 2015 ; Le Paris d’été. Musique et société à Trouville-sur-mer de 1830 à 1914, L’Harmattan, 2019 ; Prospectives musicologiques, ibid., 2019 ; Nuit et musique (à paraître, ibid.).

Stéphane Sénéchal, initialement élève à l’école doctorale de Géopolitique de Paris (direction Yves Lacoste) est un ténor français et metteur en scène, spécialisé dans le répertoire français allant de la Mélodie Française à l’opéra et l’opérette. Il a acquis une notoriété mondiale pendant la pandémie de la Covid-19 en chantant à sa fenêtre à Paris chaque soir. L’événement a été repris par la presse mondiale saluant son geste solidaire et artistique. Les plus prestigieux classements médiatiques de l’année 2020 et 2021, parmi lesquels ceux de CNN, ABC News, World News, AP News, Euronews, Reuters, The Star, The San Francisco Chronicle, The Washington Post, BBC News, The Sun, Le Parisien, Le Figaro, LCI, Nouvel Obs, France 24, le classent parmi les personnalités les plus marquantes de l’année 2020 et 2021. Élève de Jocelyne Taillon, Mady Mesplé, Gabriel Bacquier et Camille Maurane, c’est sa rencontre avec le ténor Michel Sénéchal qui le présente à Régine Crespin et Montserrat Caballé, ainsi qu’à la pianiste et chef de chant Janine Reiss, qui détermine sa vocation d’artiste lyrique qu’il perfectionne aussi auprès du musicologue Roland Mancini. Stéphane Sénéchal publie aujourd’hui des articles pour ODB Opéra sous la direction du musicologue Jérôme Pesqué. Il a été distingué en mai 2016 par la prestigieuse American Guild of Musical Artists (AGMA) et élevé le 12 mai 2021 au rang de Chevalier des Arts et des Lettres de la République française.

Craig Wich se produit en tant que chanteur, dirige et enseigne le chant depuis 1979. Il est le fondateur et le directeur artistique de l’Opera Laboratory Theater Company, de renommée nationale, le fondateur et le directeur artistique des Craig Wich Studios of Performing Arts, et fait partie de la faculté de chant du Boston Conservatory of Music depuis 1989. En outre, Craig Wich a travaillé avec des organisations de renom telles que le Boston Lyric Opera, le Museum Of Fine Arts, Boston, le Boris Goldovsky Opera et la Library of Congress, à Washington DC. De nombreux élèves de Craig Wich ont acquis une reconnaissance nationale et internationale à l’opéra, au théâtre musical et dans d’autres lieux populaires. Ils se produisent régulièrement au Metropolitan Opera, à Broadway et en tant qu’artistes enregistrés.

Professeur de littérature française à Sorbonne Université, spécialiste de l’histoire et de la théorie du théâtre des XIX^e et XX^e siècles, Marianne Bouchardon a notamment édité aux éditions Classiques Garnier le Théâtre complet de Henry Becque, Le Naturalisme au théâtre d’Émile Zola, L’Évasion de Villiers de l’Isle-Adam, et publié chez Eurédit un essai intitulé : Une histoire d’œil. La critique dramatique face à la mise en scène (1870-1914). Parmi les travaux qu’elle a codirigés, ont récemment paru La Critique culturelle sur Internet (dirigé avec Julie Anselmini) aux Presses Universitaires de Caen, Édouard Bourdet, du Boulevard à la Comédie-Française (dirigé avec Françoise Simonet-Tenant), sur Fabula.

Dominique Bruguière collabore avec Claude Régy, pour qui elle invente une écriture d’ombres et de clartés, des Soldats de Lenz à Quelqu’un va venir et Les Variations sur la mort de Jon Fosse (prix de la Critique 2000 et 2003). Elle croise les carrières internationales de Robert Carsen, Werner Schroeter, Deborah Warner, Peter Zadek, Jorge Lavelli, Emma Dante. Nombre de ses créations en danse sont au répertoire de l’Opéra national de Paris. Elle entretient de longs compagnonnages, au théâtre et à l’opéra, spécialement auprès de Patrice Chéreau, avec Le Temps et la Chambre en 1991, puis Wozzeck, Don Giovanni, Phèdre et Rêve d’automne (Molières du créateur lumière 2003 et 2011), I Am the Wind et Elektra. Elle éclaire de nombreux spectacles de Luc Bondy : Turn of the screw, Idomeneo, Les Fausses Confidences ou Le Roi Lear. Sa collaboration avec Christophe Honoré débutée en 2013 se poursuit jusqu’à Bovary Madame et, à la Comédie-Française, Le Côté de Guermantes et Les Fausses Confidences en juin 2027. Elle travaille également au Français pour Youssef Chahine, Dario Fo, Marcel Bozonnet, Denis Marleau, Marc Paquien ou Arnaud Desplechin. Elle retrouve avec Ruy Blas Julie Duclos, après Kliniken et Grand-peur et misère du IIIe Reich. A paru chez Actes Sud-Papiers un livre d’entretiens Penser la lumière.

Julien Centrès est docteur en histoire et chercheur associé au Centre d’histoire du XIX^e siècle (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne / Sorbonne Université). Ses recherches portent sur l’écriture audiovisuelle et scénique de l’histoire. Sa thèse, L’Écriture chéraldienne de l’histoire, analyse les opérations intellectuelles et pratiques mises en œuvre par Patrice Chéreau et ses collaborateurs dans la construction d’un discours historique. Il a également dirigé l’édition des journaux de travail du metteur en scène, publiée chez Actes Sud-Papiers en coédition avec l’IMEC.

Céline Delivet a suivi une formation de scénographe à l’École supérieure des arts et techniques. Elle travaille en tant que graphiste dans le secteur de la communication. Aujourd’hui doctorante à la Sorbonne Nouvelle sous la direction de Julia Gros de Gasquet, ses recherches l’amènent à travailler sur la documentation des processus de création au théâtre et à l’opéra.

Après une formation juridique et une carrière dans le monde musical (directeur administratif et financier de l’Opéra-Comique, puis directeur du bureau français de l’agence artistique IMG Artists), Gilles Demonet obtient un doctorat en musicologie à la Sorbonne où il est actuellement professeur et responsable du Master Administration et gestion de la musique. Il dirige l’IReMUS (Institut de Recherche en Musicologie) de 2019 à 2022. Il est par ailleurs régulièrement invité à l’étranger, notamment en Chine. Son principal champ de recherche est l’analyse et l’histoire des institutions musicales. Parmi ses publications : Les Concerts Straram. 1926-1933 (Paris, SFM, 2022) et Les marchés de la musique vivante (Paris, PUPS, 2015).

Professeur émérite de l’Université de Picardie, présidente de la Société Française Shakespeare de 2009 à 2015, et membre du comité de rédaction de En attendant Nadeau, Dominique Goy-Blanquet a publié des essais sur le théâtre élisabéthain chez Oxford University Press, Classiques Garnier, et les Éditions Thierry Marchaisse, ainsi que des contributions au Times Literary Supplement, à Esprit, à la Literary Encyclopedia Online et aux revues Shakespeare Survey, Law and Humanities. Elle a traduit des romans d’auteurs britanniques, américains, irlandais pour les Éditions Sabine Wespieser et pour Flammarion, ainsi que des essais de V. W. Quine, John Dover Wilson, Anthony Burgess, W. H. Auden, pour divers éditeurs. Parmi ses ouvrages récents, Shakespeare in the Theatre: Patrice Chéreau (Arden/Bloomsbury, 2018), Patrice Chéreau l’intranquille (Riveneuve/Archimbaud, 2020), From the Domesday Book to Shakespeare’s Globe (Brepols, 2023).

Professeur de droit, homme de théâtre et ancien ministre, Jack Lang fonde et dirige le Festival mondial du théâtre universitaire de Nancy, avant de prendre la tête du Théâtre national de Chaillot. Ministre de la Culture de 1981 à 1986, puis de 1988 à 1993, il mène une politique ambitieuse en faveur de la création, de la démocratisation culturelle et du spectacle vivant. Il exerce également les fonctions de ministre de l’Éducation nationale de 1992 à 1993, puis de 2000 à 2002. Il est notamment l’auteur de Les Batailles du Grand Louvre et d’Une révolution culturelle, deux ouvrages qui éclairent son action et son engagement en faveur des arts, de la création et de la politique culturelle. Compagnon de longue date de Patrice Chéreau, dont il soutient notamment la nomination à la direction du Théâtre des Amandiers de Nanterre, il préside l’Association Transmission Chéreau, vouée à la connaissance, à la conservation et à la transmission de son œuvre.

Nathalie Léger dirige l’Institut Mémoires de l’édition contemporaine (IMEC) qui conserve une importante collection d’archives littéraires. Éditrice, elle a réalisé l’édition des Écrits sur le théâtre d’Antoine Vitez (POL, 1994-1998). Elle a notamment été l’éditrice du cours de Roland Barthes au Collège de France, La Préparation du roman (Seuil-IMEC, 2002), ainsi que du Journal de deuil (Seuil-IMEC, 2008). Elle a créé et dirige les collections « Le Lieu de l’archive » et « Diaporama » (IMEC). Commissaire d’expositions, elle a notamment réalisé « Le Jeu et la Raison », consacrée à Antoine Vitez (Festival d’Avignon 1994), « La Rage d’écrire » (IMEC, 2021), ou encore les expositions « Roland Barthes » (2002) et « Samuel Beckett » (2007) au Centre Pompidou. Autrice, Nathalie Léger a publié Les Vies silencieuses de Samuel Beckett (Allia, 2006), L’Exposition (POL, Prix Printemps des lecteurs 2009), Supplément à la vie de Barbara Loden (POL, Prix du Livre Inter 2012), La Robe Blanche (POL, Prix Wepler 2018), Suivant l’azur (POL, 2020) et Le Principe de Wellington (POL, 2026).

Maîtresse de conférences HDR en Littérature française du XVIII^e siècle à Sorbonne Université, Sophie Marchand est spécialiste du théâtre du XVIII^e siècle, de son histoire, de ses actualisations scéniques. Elle s’intéresse à la culture et à la mémoire du théâtre dans tous ses aspects et à la manière dont on écrit l’histoire des spectacles. Elle a notamment publié Théâtre et pathétique au XVIII^e siècle : pour une esthétique de l’effet dramatique, Paris, Honoré Champion, 2009 ; Le théâtre français du XVIII^e siècle, sous la direction de Pierre Frantz et Sophie Marchand, Paris, L’avant-scène théâtre, 2009 ; L’Éphémère et l’essentiel. Anecdotes dramatiques et culture du théâtre au XVIII^e siècle, Paris, Classiques Garnier, « L’Europe des Lumières », 2026, a codirigé plusieurs volumes collectifs dont Le Sacre de l’acteur. Émergence du vedettariat théâtral de Molière à Sarah Bernhardt, sous la direction de Florence Filippi, Sara Harvey et Sophie Marchand, Armand Colin, coll. « U : Lettres », 2017 et, sur Marivaux, a écrit, avec Fabienne Boissiéras : Marivaux. Le Jeu de l’amour et du hasard, La Surprise de l’amour, La Seconde Surprise de l’amour, Atlande, collection « Clefs-Concours », 2009.

Titulaire d’une licence d’allemand et diplômée de la Classe Libre du cours Florent, où elle enseigne depuis 1990, Valérie Nègre est la collaboratrice au théâtre et à l’opéra de nombreux metteurs en scène. Depuis 2016, elle est la collaboratrice de Wajdi Mouawad sur tous ses spectacles au théâtre et à l’opéra (L’Enlèvement au sérail, Opéra de Lyon, Œdipe et Pelléas et Mélisande à l’Opéra de Paris, Iphigénie en Tauride à l’Opéra-Comique, Tous des oiseaux, Mort prématurée…, Mère, Racine carrée du verbe être au Théâtre de la Colline…) Elle a travaillé régulièrement avec Patrice Chéreau (Phèdre de Racine au Théâtre de l’Odéon, Tristan und Isolde de Wagner à la Scala de Milan, Rêve d’automne de Jon Fosse au Théâtre de la Ville, les Wesendonck-Lieder au Musée du Louvre), Philippe Calvario (La Mouette de Tchékhov et Roberto Zucco de Koltès au Théâtre des Bouffes du Nord, Angels in America de Peter Eötvös au Théâtre du Châtelet, L’Amour des trois oranges de Prokofiev au Festival d’Aix-en-Provence, Richard III de Shakespeare au Théâtre des Amandiers de Nanterre…), ainsi qu’avec Jean-Luc Revol (Le Plus Heureux des trois de Labiche, L’Heureux Stratagème de Marivaux, La Tempête de Shakespeare, Tartuffe de Molière, Les péchés de vieillesse de Rossini…) Outre ces longs compagnonnages, elle a repris la mise en scène de Joël Pommerat de L’Inondation à l’Opéra-Comique, et a également accompagné d’autres metteurs en scène, notamment Christophe Honoré (Les Troyens à Munich), Pauline Bureau (La Dame blanche, Neige), Jeanne Candel (Hippolyte et Aricie), Patrick Pineau (Le Monde d’hier), Jérôme Deschamps (Mârouf, savetier du Caire), Yasmina Reza (Bella Figura), Mariame Clément (La Flûte enchantée à Graz et Cologne, Il Ritorno d’Ulisse in patria au TCE), Vincent Boussard (La Finta giardiniera au Festival d’Aix-en-Provence), Frédéric Bélier-Garcia (La Mouette), Jacques Osinski (Tancredi au TCE, Iphigénie en Tauride à l’Atelier Lyrique), Clément Hervieu-Léger (La Didone au TCE), Éric Genovese (Così fan tutte au Théâtre des Champs-Élysées, Anna Bolena au Staatsoper de Vienne, Erzuli Dahomey à la Comédie-Française), Michel Deutsch (Le Pont des ombres à l’Opéra du Rhin), Zabou Breitman (Blanc au Théâtre de la Madeleine, L’Enlèvement au Sérail à l’Opéra de Paris), Sandrine Dumas (Chère Maître au Théâtre de la Gaîté), Jean-Jacques Zilbermann (La Boutique au coin de la rue au Théâtre Montparnasse), Alexander Lang (Faust à la Comédie-Française), Gildas Bourdet (L’Atelier, Catone in Utica), … En outre, elle a mis en scène La Favorite de Donizetti au Théâtre des Champs-Elysées et collaboré à l’écriture de Cette obscure clarté de François Florent aux éditions Gallimard. Elle est chargée de cours de théâtre à l’Académie de l’Opéra-Comique.

Né à Paris en 1938. Ancien élève de l’ENS (Ulm). Agrégé de philosophie (1962). Maître de conférences à l’Université de Paris VIII : Département de Philosophie, puis, en 1974, de Psychanalyse. Traducteur et collaborateur artistique de Patrice Chéreau, Anne Delbée, Emmanuel Demarcy-Mota et Brigitte Jaques-Wajeman, avec laquelle il a fondé la Compagnie Pandora en 1976 et codirigé le Théâtre de la Commune-Pandora d’Aubervilliers de 1991 à 1997. A enseigné au Conservatoire National supérieur d’art dramatique de Paris (diction poétique) de 1994 à 2001. Nombreuses traductions de pièces de théâtre et d’écrits sur le théâtre.

Agrégé de lettres modernes, Arnaud Sevcik est doctorant rattaché au laboratoire CELFF, travaillant sur le « souvenir initial de théâtre », sous la direction de Florence Naugrette (Sorbonne Université) et d’Arnaud Rykner (Sorbonne Nouvelle). Diplômé du master de littérature française à Sorbonne Université, il a réalisé un premier mémoire dirigé par Florence Naugrette sur « L’espace urbain dans l’œuvre de Bernard-Marie Koltès » et un second sur « Les grands rôles de Pascal Greggory sous la direction de Patrice Chéreau », complétés par des entretiens avec Richard Peduzzi et Pascal Greggory. Son travail de recherche investit divers champs disciplinaires, principalement la littérature française, les études théâtrales et la géographie.

Donatienne Borel est en contrat doctoral depuis octobre 2022 au Centre Aixois d’Études Romanes (CAER) à l’université d’Aix-Marseille. Dans sa thèse, intitulée Traduire la rime en chanson. Georges Brassens en espagnol et en italien et dirigée par Stéphane Pagès et Perle Abbrugiati, elle s’intéresse à la traduction créative et à la façon dont le son produit du sens et de l’émotion. Clowne et orthophoniste, elle essaie d’articuler les questions linguistiques aussi depuis ces perspectives. Membre du réseau Les Ondes du monde, elle a coorganisé avec Perle Abbrugiati la 5^e Biennale internationale d’études sur la chanson qui s’est tenue à Aix-en-Provence en mars 2025.

Maître de conférences HDR en musicologie à l’Université Jean-Monnet (Saint-Étienne). Chercheur à l’IHRIM, il a publié André Hodeir : le jazz et son double (Symétrie, 2017), Prix du Livre de jazz 2017 de l’Académie du jazz, ainsi qu’une somme consacrée au critique de jazz Hugues Panassié, Mi-figue, mi-raisin. Exégèse d’un théologien du jazz (Outre Mesure, 2020). Il est aussi l’auteur de Boppin’ with Django (Delatour, 2021) et de deux ouvrages collectifs chez Hermann (Écoute multiple, écoute des multiples, 2019 ; Une musicologie entre textes et arts : hommages à Béatrice Ramaut-Chevassus et Alban Ramaut, 2021). Il a co-dirigé avec Vincent Cotro À l’invisible nulle n’est tenue. Questions de genre et place des femmes dans le jazz (PuFR, Tours, 2023), et avec Yannick Séité Quand les musiciens de jazz (s’)écrivent (Hermann, 2023). Il est l’auteur de plusieurs articles sur la chanson française (Ray Ventura, Paul Misraki, Mireille, Jean Sablon, Pills et Tabet, Georges Brassens, Jacques Brel).

Agrégée d’histoire, docteure de l’université Paris 1 Panthéon-Sorbonne et chercheuse associée au Centre d’Histoire du XIX^e siècle, Marie Goupil-Lucas-Fontaine est spécialiste d’histoire de la chanson française et des cultures populaires aux XIX^e et XX^e siècles.

Professeur de musicologie à Sorbonne Université. Ses travaux portent sur l’histoire européenne du jazz et sur les relations entre musiques et identités. Il est l’auteur et le directeur de plusieurs ouvrages, parmi lesquels Faites vos jeux ! La vie musicale dans les casinos français (Actes Sud, 2024) et Music and Postwar Transitions, xix-xxth centuries (Berghahn, 2023) et une édition critique de textes francophones sur le jazz parus dans les années 1920. Ses articles ont été publiés dans le Journal of the Royal Music Association, ou encore la Revue de Musicologie, Genesis. Sa thèse de doctorat sur les Appropriations savantes du jazz dans le monde musical savant parisien (1900-1939) est en cours de publication (Vrin). Il coordonne le projet de recherche international « Musique et nation » (Université Paris-Saclay, Leeds University, Université de Fribourg, Université de Montréal). Saxophoniste, il a notamment enregistré Azawan (2022) et Zeitgeist (2024).

Professeur émérite de l’Université Évry Paris-Saclay et membre du laboratoire RASM-CHCSC. Il a publié plusieurs ouvrages consacrés à la pratique musicale au XIX^e siècle (Les Travaux d’Orphée, 150 ans de vie musicale en France, Paris, Aubier, 1988, 2001), l’histoire du jazz (Le Roman du Jazz, Fayard, 1991, 2000, 2008), l’identité par la musique (Les Résonances de l’ombre, musique et identités, Fayard, 2012), codirigé Music and Postwar Transitions, Berghahn Books, 2023, Le Fidelio de Beethoven, Transferts, circulations, appropriations (1798-XXI^e siècle), Septentrion, 2025. Avec l’équipe de recherche « Musique et nation » (Anaïs Flechet, Barbara Kelly, et Martin Guerpin), il co-anime une collection « Américanisation par les arts » au sein de la plateforme TRACS.

Directrice de recherche au CNRS où elle explore la voix humaine à la croisée des sciences du langage, de l’acoustique et de la physiologie. Normalienne et agrégée de sciences physiques, elle s’est spécialisée dans l’étude interdisciplinaire de la voix humaine sous toutes ses formes d’expression, mêlant sciences humaines et sociales, ingénierie, sciences de la vie et pratiques artistiques. Ses recherches portent sur différents styles et cultures de chant (chant lyrique, chant du monde, musiques amplifiées, human beatbox). Elle mobilise des approches à la fois techniques (analyse acoustique, modélisation) et humaines (perception, expressivité, communication). Distinguée par la médaille de bronze du CNRS (2013), elle s’investit aussi dans la vulgarisation, via conférences, ateliers et ouvrages, notamment La voix chantée : entre sciences et pratiques. Également chantre, chanteuse et cheffe de chœur, elle incarne un pont rare entre rigueur scientifique et sensibilité artistique.

Professeur de littérature française à l’Université Polytechnique Hauts-de-France (Valenciennes) depuis 1999, il a été Doyen de la Faculté des Lettres, Langues, Arts et Sciences Humaines.
Il a publié ou coordonné 17 livres, dont Jacques Brel, Chant contre silence ; Sur Aragon – Les voyageurs de l’infini ; Aragon et le Nord ; Chanson : l’art de fixer l’air du temps ; Paris en chansons et La chanson française depuis 1980 ; auteur de plus de 150 articles en France et à l’étranger, dans des revues prestigieuses : NRF, RSH, ArtPress2, Europe, Télérama… sur la chanson ou la littérature française moderne ou contemporaine, explorant la sémiologie des fêlures et de leurs résonances lyriques. Inventeur de la « cantologie » – étude de la chanson considérée dans sa globalité (textes, musique et interprétation) –, il dirige la collection « Cantologie », aux Belles Lettres/PUV (9 ouvrages).
Il a fondé en 1996 le festival Le Quesnoy en chanteurs (27 éditions).

Professeur de musique émérite au King’s College de Londres. Il a étudié au Royal College of Music, au King’s College de Londres et au Clare College de Cambridge, devenant d’abord médiéviste puis, depuis les années 2000, se spécialisant dans les implications des enregistrements anciens pour les interprètes modernes. Il a dirigé un projet sur « L’expressivité dans l’interprétation des lieder de Schubert » (“Expressivity in Schubert Song Performance”) au sein du Centre for the History and Analysis of Recorded Music (CHARM, 2004-2009), suivi par « Façonner la musique à travers l’interprétation » (“Shaping Music in Performance”) au sein du Centre for Musical Performance as Creative Practice (2009-2014). Ses recherches actuelles jettent un regard critique sur les politiques de l’interprétation de la musique classique, en particulier sur la régulation des normes d’interprétation, et explorent des alternatives créatives. Ses ouvrages comprennent The Modern Invention of Medieval Music (2002), The Changing Sound of Music (2009), Music and Shape (avec Helen Prior, 2018), et Challenging Performance: Classical Music Performance Norms and How to Escape Them (2020).

Stagiaire en master de Sciences du Langage à l’Université Sorbonne Nouvelle.

Docteur en musicologie de l’Université Paul-Valéry Montpellier 3 où il enseigne également comme chargé de cours. Ses travaux de recherche portent sur l’analyse de la voix et de l’interprétation vocale dans les musiques populaires francophones et anglophones, ainsi que sur les apports de l’informatique musicale et les enjeux épistémologiques de l’analyse des musiques actuelles. À partir du traitement du signal audio, ses analyses interrogent les représentations collectives et les imaginaires sociaux activés par la voix dans des répertoires tels que la chanson, le rap, le punk ou le ragga. Il est notamment l’auteur de Des cris et des crêtes. Chanter punk en français (1977-1989) (Riveneuve, 2020) et de l’article « Analyser l’interprétation vocale des musiques populaires avec le logiciel Audiosculpt : chronique d’une pratique de l’analyse musicale assistée par ordinateur », récompensé par le Prix Jean-Jacques Nattiez en 2021.

Professeuse de littérature à l’Université Paris 8 Vincennes-Saint-Denis. Sa recherche, qui prend appui sur sa propre pratique musicale, porte sur les pratiques et représentations de la voix, sur les rapports entre langage et musique et sur les imaginaires genrés de la littérature et de la musique. Parmi ses travaux : La voix féminine et le plaisir de l’écoute, Paris, Classiques Garnier (2012) ; La Voix du public en France aux XVII^e et XVIII^e siècles, PUR (2019) ; Les cordes vibrantes de l’art. La relation esthétique comme résonance, PUR (2021) ; Masculin, féminin, littérature. Usages métapoétiques du genre en France au XVII^e siècle (à paraître).

Stagiaire en master de Sciences du Langage à l’Université Sorbonne Nouvelle.

Professeure des Universités en phonétique à l’Université Sorbonne Nouvelle, membre du Laboratoire de Phonétique et Phonologie, et orthophoniste. Elle dirige actuellement l’ED 661 Langage et Langues : Description, Théorisation, Didactisation. Depuis son doctorat en phonétique sur le chant lyrique, ses recherches caractérisent les variations de la parole atypique et le lien entre voix et parole. Elles portent sur la typologie des voix et parole en chant dans plusieurs techniques vocales (chant long mongol, BeatBox, musique vocale baroque…), sur la phonétique et la pédagogie de la prononciation du français langue étrangère, et sur la phonétique clinique.

Maîtresse de conférences en littérature française du XIX^e siècle de l’Université Lyon 2 et membre de l’IHRIM, Marine Wisniewski est spécialiste des formes et des pratiques spectaculaires populaires de la seconde moitié du XIX^e siècle. Après une thèse, consacrée au cabaret de l’Écluse (Le Cabaret de l’Écluse 1951-1974. Expérience et poétique des variétés, PUL, 2016), portant notamment sur les lieux et les sociabilités de la chanson, ses recherches actuelles s’intéressent aux scènes de café-concert et à la manière dont elles façonnent et mettent en jeu le corps et la voix de leurs interprètes (Revue d’Histoire du théâtre, 2015, 2016 ; Romantisme, 2021, 2023). Elle travaille également sur les marionnettes de la famille Sand (Cahiers George Sand, 2023).

Artiste lyrique parmi les plus en vue de sa génération. Née en 1987 à Ivry-sur-Seine, elle est une mezzo-soprano française reconnue pour son interprétation du répertoire baroque et son éclectisme musical. Nommée « Révélation artiste lyrique » aux Victoires de la musique classique 2018, lauréate du Concours musical international Reine Élisabeth de Belgique 2018, révélation de l’ADAMI en 2016, Eva Zaïcik fait partie de la promotion 2017-2018 du Jardin des Voix avec Les Arts florissants sous la direction de William Christie. Elle enregistre depuis 2018 en exclusivité pour le label Alpha Classics. Sa voix se caractérise par sa beauté et sa longueur, son ampleur et sa souplesse. Eva Zaïcik chante aussi bien Monteverdi que Berlioz, Rossini ou Bizet.

Titulaire d’un M2 de Phonétique et Phonologie, et d’un M2 de Psychologie Parcours Psychologie de la Cognition, elle a apporté son concours dans plusieurs projets de recherches dont l’ANR Gepeto.